在慶祝雅逸三十周年的一系列特展活動中，我們很榮幸邀請到國立成功大學歷史系所名譽教授、台灣美術史研究者蕭瓊瑞擔任策展人，同步策畫兩個精彩展覽： 首先，《虛實之際─雅逸30周年寫實繪畫邀請展》在4月6日至6月25日於雅逸藝術中心展出，此展在觀眾一致的好評聲中及藏家的支持下，圓滿落幕 。接續，《虛實之際─台灣寫實繪畫中的抽象思維》 特展，於9月8日至10月8日，在臺南市美術館一館A展廳隆重登場，展品規模更加豐富、更具氣勢。
以蕭瓊瑞老師在學界的聲望與人脈關係，此展集結十五位台灣當代傑出藝術家共襄盛舉，包括：黃銘昌、連建興、顧何忠、李足新、梁晉嘉、林欽賢、翁明崖、周川智、林正哲、傅浩軒、王皓諄、林浩白，陳逸鋒、曾冠雄、陳宏忻，由資深至新生代，年齡從1952年到1992年出生，前後跨越兩個世代。透過展品的呈現，明顯地可以看到不同世代的藝術家面對各種時代課題、相異媒材，在不同思維下的選擇與探索。藉由這個展覽的導讀與梳理，我們面向每個人都可以恣意展現自我的世代，這些內心碰撞正激盪著藝術火花。
Exhibition Info展覽資訊
策展人蕭瓊瑞將全展分作：「風行．景移」（風景畫），「情采．神思」（人物畫），及「感物．比興」（靜物畫）等三個子題。茲析論如下：
風行．景移
純粹風景畫的形成，在西方雖然要晚至18世紀的所謂「寫實主義」，但早在16世紀的尼德蘭地區，就已經出現以風景畫為業的畫家；而在東方，至少在中國的北宋時期（10-11世紀），山水畫的思維與創作都已達到相當成熟的階段。
風景畫是人和自然的一種對話，甚至「風景」就是蠻荒的自然被藝術家「馴化」,「人文化」的過程與結果。在「風行．景移」的子題中，可窺見當代台灣寫實畫家對自然景緻的觀看、思維與映射。
早在1978年就以細緻寫實筆法描繪台灣鄉間景象而獲「雄獅新人獎」的黃銘昌，之後留學法國，1984年畢業於國立高等巴黎美術學院。返台後，曾短期任教國立藝術學院（今國立台北藝術大學），之後即以專業畫家身份，長期投入精緻寫實的藝術創作；是台灣90年代以後，既接續鄉土寫實詩情，又賦以大格局觀照的一位傑出創作者，始終保持其藝術本質的純粹性；特別是他在《水稻田系列》作品中，以千萬筆的細緻筆觸，捕捉可見的山脈,稻田,芭蕉樹等形象，但隱微未顯的則是和風、濕氣、陽光……與田間小徑。
相對於黃銘昌的細緻繁密，顧何忠的《彼岸》系列，則在看似單純的構成中，精確描繪,卻又幾乎不帶筆觸地表現了一個看似無限遙遠的精神空間；在一黑一白的作品中，近景描繪了一個人類加工製成的大理石桌面，而占有畫面五分之四的遠景天空，則提供了觀者無限的想像。物質與精神、寫實與抽象、古典與現代，在此進行了一場視覺與思維的二元辨證與拉扯。
和顧何忠齡的連建興，以魔幻寫實的畫面，同時呈顯了自然與人文,歷史與寓言,建設與荒廢的吊詭史詩；在〈有情漫波〉,〈夢土堪輿之金瓜石與金銅礦〉等這些如長詩密碼的標題作品中，藝術家以寫實的手法提供了並不寫實的情境，滲透出如老巫師般的夢幻噎語和神秘陰影，卻深含警世的意味與濃郁的鄉愁。
出生金門的翁明崖，長期以含蓄、內斂的筆法，捕捉大自然的變化，寫景也寫情，畫面經常展現一種寧靜、多彩的特質；參展的〈八嗡翁〉、〈大坡炊煙、〈青山雲彩〉等，都是在一種平行或垂直的空間結構中，借由可見的山巒、平野、樹叢，暗示出光影明暗的變化與雲霧的流動，那是藝術家在浸淫自然時，從環境中所獲致的體悟與感受：舒緩、幽靜，而深遠。
已屬1980年代出生的林浩白，是聯邦美術新人獎首獎（2010），及兩次奇美藝術獎的得主（2013,2014）。畫如其名，在以「白色」為主調的花卉靜物外，也有類如〈邊際〉（2017）這樣的作品，從窗內往外望去，也可視為另類的風景之作。「窗」一直是歐洲「象徵主義」（Symbolism）喜愛題材，因為「窗」是兩個世界（窗外,窗內）的交界處，有一種曖昧的特質；林浩白的〈邊際〉也是在看似實景與虛像之間，予人以「邊際」的存有省思，看似寫實的手法，存在著抽象的哲思。
最年輕的陳宏忻，已是1990年代出生的參展者。《偽裝者》系列，都是藉由自然界中的植物與動物的混雜，表現出動物如何透過自我偽裝的行為，來達到自我安全,求生的目的，以自然自喻；另如〈巴別塔〉，則是《聖經》中人類意圖與上帝爭衡的故事，也是利用旋轉的植物莖葉，搭建起「欲與天齊」的高塔，動物隱身其中，乃是人類的隱喻與化身。
情采．神思
人物是人文世界的中心，即使在傳統的宗教畫或歷史畫時期，「人」始終是繪畫的主角；從現實的角度檢視，與其說：「上帝按祂的形象創造了人類。」不如說：「人類按自己的形象創造或理解了上帝。」
當代台灣寫實繪畫，最具代表性的人物主題，顯然不是「肖像畫」，而是透過不同年齡、職業、性別的人物，展現「人」在生命情境中的不同情采與神思，凸顯了「人」的困境、遭遇、疑惑，與尊嚴。
出生礦區的李足新，在崎嶇艱困的成長過程中，對生命有著一份深刻的體驗與感受。作於2008年的《老農系列》之〈獨居三〉，以一對坐在老屋簷下的老農夫婦，陰影遮住了他們的臉部，就像那些一生辛勞付出,卻在歷史上未曾留下任何個人事跡,影像的廣大農夫；僅僅露出勞動的雙手及下半身：手肘靠在竹籐座椅扶手上,雙手交握的是男性，一雙沾滿泥土的長筒雨鞋，是永無休憩的勞動者的象徵。而一旁的妻子，膝上墊著毛毯，雙手抱著親手種植的果實，雙腳內縮，幾乎隱身不見，也像一旁開在暗處的扶桑花。兩人並坐，卻題名「獨居」，顯示兒女不在身邊的孤獨。為誰辛苦,為誰忙？
相對於李足新的蒼桑,苦澀，林欽賢則是樂觀與美的歌頌者，始終充滿了希望與救贖；結合著古典的傳說與當代的神話，林欽賢以「人」為主題，訴說著這塊土地的走向。展出的〈春饗秋宴〉,〈等待綠色的救贖〉等，都讓身處世紀疾情陰影下的人們，重拾生命的力量。
曾往俄羅斯留學，並獲得俄羅斯國立列賓美術學院架上繪畫修復之藝術家/修護師文憑的周川智，成功結合繪畫,畫材研究與修復的專長，創作出具有個人獨特風格的人物畫作；所謂的《古技今現系列》，正是在俄羅斯拜占庭聖畫像的畫幅結構下，以金箔和蛋彩等媒材,技法，呈顯出女性模特兒和古典畫像中的人物造形之對話，穿越時空，古技今現。
以「肖像畫」為專研主題的林正哲，一度以肖像畫中的飾品描繪，試圖探討飾品在祭神儀式,權力象徵，與個人品味上所呈顯的意義；也曾抽離一切情感與意寓，純粹以物件、玩具為題材，進行描繪；而2017年的〈書寫自我〉及2023年的〈女孩與泡泡槍〉，則是回到當代生活中的小女孩，透過毛筆、泡泡槍…..等身邊的文具、玩具，來進行對自我的認識、肯定，或滿足。看似輕鬆的行為中，卻深具對生命探討的意義。
而同樣以「人」為題材，曾冠雄卻著力於「女巫」的暗黑美學。走著一條和一般藝術家養成不同路徑的曾冠雄，從小嚮往自己成為一名導演；中學時因沈溺於金屬搖滾樂,而想像成為一位音樂製作人。到了大學時期，進入建築系，仍利用課餘專研吉他….；直到某一天醒來，才發覺自己對繪畫的熱愛，始終沒有斷念；最後終於踏入美術研究所的大門，也獲得許多競賽及收藏家的肯定。
曾冠雄的《女巫》系列，看似逼真,寫實的畫面，其實是用無數細密的抽象元素所構成；用不真實的元素,符號，來建構逼近真實,寫實的畫面，既帶給觀眾視覺的挑戰與震撼，也成為自我創作時深掘,內省的主要內涵。他說：「外表柔美,神情冷淡的女孩，往往是為了掩飾身體的殘疾、缺陷，或情感的受傷與恐懼。惟有在寂寞與想像間，不斷地拉扯、掙扎，才能獲得一種看似坦然的存在。」暗黑正是一種最佳的保護色與存有感。
感物．比興
以靜止的物件為描繪的對象，本身就有向「具變動性」的風景畫或歷史畫挑戰的意味；靜物畫的物件安排或細膩描繪，從對象的選擇,排列，到氛圍的形塑、呈現，在在都反映了藝術家獨特的感思與喻意，特別是19世紀中葉以後的西方繪畫，靜物畫更成為特別受到大眾歡迎與畫家喜愛的題材。
在台灣當代寫繪畫的表現上，靜物畫似乎也是深為年輕一代畫家喜愛的題材，不論表現的技法和主題，也都有令人驚艷的成果，對象擴及植物、動物，乃至石頭….。
顧何忠除前提風景畫作的《彼岸》系列外，在靜物畫上也是極早表現出穿越物質表象、深入內在本質探討的一位傑出創作者，如：完成於2006年的〈定〉，以一只立於桌面的水梨，猶如老僧之「入定」；完全不帶筆觸的手法，卻質地勻細、色彩豐美、蘊含溫度，尤其果蒂部份乾萎的表皮描繪，正是生命由成熟進入衰老的象徵。另作於2022年的〈璀璨〉，則是以斜向的光照，讓三只立於大理石板上的瓶中繁花，在看似幽暗低沈的背景上，展現璀璨的光采，靜寂中又富生命的活力。
留學西班牙的梁晉嘉，自1995年歸國後，便不斷地在富有庶民生活色彩的本土題材上，尋找表現的主題，從早期的紙鶴、木箱，到後來的布袋戲、燒餅油條、花生、鐵秤、土產水果，到塑膠袋，梁晉嘉以準確的質感，和逼真的色彩，成功地讓這些原本被視為「粗俗」的物，散發優雅、動人的美感。此次展出的三件水果，都有被剝開或切開的果肉，呈顯多汁甜美的味覺聯想。
至於早逝的李足新，在前提以老農夫婦為題材的〈獨居〉外，亦以一雙擺在老木材上對望的舊鞋子，背景是紅霞滿天的白雲,山脈，取名〈自相矛盾的詩意情結〉，以物喻人、以景抒情、感物比興。
深受俄羅斯東正教聖像畫影響的周川智，在穹形框架內，捨去人物，代以瓶花，空盪的背景，反而展現一種既神聖又神秘的氛圍。
而以小示大的傅浩軒，以精微筆觸，呈顯不同石頭的質感，賦予原本冰冷,無情的石塊，變成溫暖,多情的物件；除了石頭本身自然崩裂或人為雕琢、上彩所呈顯的痕跡外，外加的金屬扣環，更增添「異質結合」的詭異想像。
至於取材自日常身旁常見的硬幣的王皓諄，將這些本身就是薄浮雕的銅幣成品，大小,新舊，散落成堆，形成構圖上的變化；或加入質地完全不同的柔軟花瓣，那是現實與理想的並置，也是心中渴望的再現。
林浩白的「白」，在《美好時光》靜物系列中，讓植物的純靜，成為精神的象徵，潔淨無瑕，生命自在；看似單純,絕不單調，看似空靈,絕非空虛。物我合一、生命靜好。
陳逸峰也是以「白」為取向，白色的布匹，或是整齊疊放、或是打結堆置…..，白布成為獨立的物件，明暗的對比，仍在「白」色的籠罩之中，成為一種純淨無礙的精神境界；完全的物質描繪，卻成為如詩的精神空間。
「虛實之際──台灣寫實繪畫中的抽象思維」特展，以15位台灣當代傑出藝術家的作品，展現高度寫實的畫面中，存藏著藝術家深刻的生命體驗與極易被忽略的抽象思維和表現，是台灣近年來頗具深度的一次學術性展出。
風行．景移
純粹風景畫的形成，在西方雖然要晚至18世紀的所謂「寫實主義」，但早在16世紀的尼德蘭地區，就已經出現以風景畫為業的畫家；而在東方，至少在中國的北宋時期（10-11世紀），山水畫的思維與創作都已達到相當成熟的階段。
風景畫是人和自然的一種對話，甚至「風景」就是蠻荒的自然被藝術家「馴化」,「人文化」的過程與結果。在「風行．景移」的子題中，可窺見當代台灣寫實畫家對自然景緻的觀看、思維與映射。
早在1978年就以細緻寫實筆法描繪台灣鄉間景象而獲「雄獅新人獎」的黃銘昌，之後留學法國，1984年畢業於國立高等巴黎美術學院。返台後，曾短期任教國立藝術學院（今國立台北藝術大學），之後即以專業畫家身份，長期投入精緻寫實的藝術創作；是台灣90年代以後，既接續鄉土寫實詩情，又賦以大格局觀照的一位傑出創作者，始終保持其藝術本質的純粹性；特別是他在《水稻田系列》作品中，以千萬筆的細緻筆觸，捕捉可見的山脈,稻田,芭蕉樹等形象，但隱微未顯的則是和風、濕氣、陽光……與田間小徑。
相對於黃銘昌的細緻繁密，顧何忠的《彼岸》系列，則在看似單純的構成中，精確描繪,卻又幾乎不帶筆觸地表現了一個看似無限遙遠的精神空間；在一黑一白的作品中，近景描繪了一個人類加工製成的大理石桌面，而占有畫面五分之四的遠景天空，則提供了觀者無限的想像。物質與精神、寫實與抽象、古典與現代，在此進行了一場視覺與思維的二元辨證與拉扯。
和顧何忠齡的連建興，以魔幻寫實的畫面，同時呈顯了自然與人文,歷史與寓言,建設與荒廢的吊詭史詩；在〈有情漫波〉,〈夢土堪輿之金瓜石與金銅礦〉等這些如長詩密碼的標題作品中，藝術家以寫實的手法提供了並不寫實的情境，滲透出如老巫師般的夢幻噎語和神秘陰影，卻深含警世的意味與濃郁的鄉愁。
出生金門的翁明崖，長期以含蓄、內斂的筆法，捕捉大自然的變化，寫景也寫情，畫面經常展現一種寧靜、多彩的特質；參展的〈八嗡翁〉、〈大坡炊煙、〈青山雲彩〉等，都是在一種平行或垂直的空間結構中，借由可見的山巒、平野、樹叢，暗示出光影明暗的變化與雲霧的流動，那是藝術家在浸淫自然時，從環境中所獲致的體悟與感受：舒緩、幽靜，而深遠。
已屬1980年代出生的林浩白，是聯邦美術新人獎首獎（2010），及兩次奇美藝術獎的得主（2013,2014）。畫如其名，在以「白色」為主調的花卉靜物外，也有類如〈邊際〉（2017）這樣的作品，從窗內往外望去，也可視為另類的風景之作。「窗」一直是歐洲「象徵主義」（Symbolism）喜愛題材，因為「窗」是兩個世界（窗外,窗內）的交界處，有一種曖昧的特質；林浩白的〈邊際〉也是在看似實景與虛像之間，予人以「邊際」的存有省思，看似寫實的手法，存在著抽象的哲思。
最年輕的陳宏忻，已是1990年代出生的參展者。《偽裝者》系列，都是藉由自然界中的植物與動物的混雜，表現出動物如何透過自我偽裝的行為，來達到自我安全,求生的目的，以自然自喻；另如〈巴別塔〉，則是《聖經》中人類意圖與上帝爭衡的故事，也是利用旋轉的植物莖葉，搭建起「欲與天齊」的高塔，動物隱身其中，乃是人類的隱喻與化身。
情采．神思
人物是人文世界的中心，即使在傳統的宗教畫或歷史畫時期，「人」始終是繪畫的主角；從現實的角度檢視，與其說：「上帝按祂的形象創造了人類。」不如說：「人類按自己的形象創造或理解了上帝。」
當代台灣寫實繪畫，最具代表性的人物主題，顯然不是「肖像畫」，而是透過不同年齡、職業、性別的人物，展現「人」在生命情境中的不同情采與神思，凸顯了「人」的困境、遭遇、疑惑，與尊嚴。
出生礦區的李足新，在崎嶇艱困的成長過程中，對生命有著一份深刻的體驗與感受。作於2008年的《老農系列》之〈獨居三〉，以一對坐在老屋簷下的老農夫婦，陰影遮住了他們的臉部，就像那些一生辛勞付出,卻在歷史上未曾留下任何個人事跡,影像的廣大農夫；僅僅露出勞動的雙手及下半身：手肘靠在竹籐座椅扶手上,雙手交握的是男性，一雙沾滿泥土的長筒雨鞋，是永無休憩的勞動者的象徵。而一旁的妻子，膝上墊著毛毯，雙手抱著親手種植的果實，雙腳內縮，幾乎隱身不見，也像一旁開在暗處的扶桑花。兩人並坐，卻題名「獨居」，顯示兒女不在身邊的孤獨。為誰辛苦,為誰忙？
相對於李足新的蒼桑,苦澀，林欽賢則是樂觀與美的歌頌者，始終充滿了希望與救贖；結合著古典的傳說與當代的神話，林欽賢以「人」為主題，訴說著這塊土地的走向。展出的〈春饗秋宴〉,〈等待綠色的救贖〉等，都讓身處世紀疾情陰影下的人們，重拾生命的力量。
曾往俄羅斯留學，並獲得俄羅斯國立列賓美術學院架上繪畫修復之藝術家/修護師文憑的周川智，成功結合繪畫,畫材研究與修復的專長，創作出具有個人獨特風格的人物畫作；所謂的《古技今現系列》，正是在俄羅斯拜占庭聖畫像的畫幅結構下，以金箔和蛋彩等媒材,技法，呈顯出女性模特兒和古典畫像中的人物造形之對話，穿越時空，古技今現。
以「肖像畫」為專研主題的林正哲，一度以肖像畫中的飾品描繪，試圖探討飾品在祭神儀式,權力象徵，與個人品味上所呈顯的意義；也曾抽離一切情感與意寓，純粹以物件、玩具為題材，進行描繪；而2017年的〈書寫自我〉及2023年的〈女孩與泡泡槍〉，則是回到當代生活中的小女孩，透過毛筆、泡泡槍…..等身邊的文具、玩具，來進行對自我的認識、肯定，或滿足。看似輕鬆的行為中，卻深具對生命探討的意義。
而同樣以「人」為題材，曾冠雄卻著力於「女巫」的暗黑美學。走著一條和一般藝術家養成不同路徑的曾冠雄，從小嚮往自己成為一名導演；中學時因沈溺於金屬搖滾樂,而想像成為一位音樂製作人。到了大學時期，進入建築系，仍利用課餘專研吉他….；直到某一天醒來，才發覺自己對繪畫的熱愛，始終沒有斷念；最後終於踏入美術研究所的大門，也獲得許多競賽及收藏家的肯定。
曾冠雄的《女巫》系列，看似逼真,寫實的畫面，其實是用無數細密的抽象元素所構成；用不真實的元素,符號，來建構逼近真實,寫實的畫面，既帶給觀眾視覺的挑戰與震撼，也成為自我創作時深掘,內省的主要內涵。他說：「外表柔美,神情冷淡的女孩，往往是為了掩飾身體的殘疾、缺陷，或情感的受傷與恐懼。惟有在寂寞與想像間，不斷地拉扯、掙扎，才能獲得一種看似坦然的存在。」暗黑正是一種最佳的保護色與存有感。
感物．比興
以靜止的物件為描繪的對象，本身就有向「具變動性」的風景畫或歷史畫挑戰的意味；靜物畫的物件安排或細膩描繪，從對象的選擇,排列，到氛圍的形塑、呈現，在在都反映了藝術家獨特的感思與喻意，特別是19世紀中葉以後的西方繪畫，靜物畫更成為特別受到大眾歡迎與畫家喜愛的題材。
在台灣當代寫繪畫的表現上，靜物畫似乎也是深為年輕一代畫家喜愛的題材，不論表現的技法和主題，也都有令人驚艷的成果，對象擴及植物、動物，乃至石頭….。
顧何忠除前提風景畫作的《彼岸》系列外，在靜物畫上也是極早表現出穿越物質表象、深入內在本質探討的一位傑出創作者，如：完成於2006年的〈定〉，以一只立於桌面的水梨，猶如老僧之「入定」；完全不帶筆觸的手法，卻質地勻細、色彩豐美、蘊含溫度，尤其果蒂部份乾萎的表皮描繪，正是生命由成熟進入衰老的象徵。另作於2022年的〈璀璨〉，則是以斜向的光照，讓三只立於大理石板上的瓶中繁花，在看似幽暗低沈的背景上，展現璀璨的光采，靜寂中又富生命的活力。
留學西班牙的梁晉嘉，自1995年歸國後，便不斷地在富有庶民生活色彩的本土題材上，尋找表現的主題，從早期的紙鶴、木箱，到後來的布袋戲、燒餅油條、花生、鐵秤、土產水果，到塑膠袋，梁晉嘉以準確的質感，和逼真的色彩，成功地讓這些原本被視為「粗俗」的物，散發優雅、動人的美感。此次展出的三件水果，都有被剝開或切開的果肉，呈顯多汁甜美的味覺聯想。
至於早逝的李足新，在前提以老農夫婦為題材的〈獨居〉外，亦以一雙擺在老木材上對望的舊鞋子，背景是紅霞滿天的白雲,山脈，取名〈自相矛盾的詩意情結〉，以物喻人、以景抒情、感物比興。
深受俄羅斯東正教聖像畫影響的周川智，在穹形框架內，捨去人物，代以瓶花，空盪的背景，反而展現一種既神聖又神秘的氛圍。
而以小示大的傅浩軒，以精微筆觸，呈顯不同石頭的質感，賦予原本冰冷,無情的石塊，變成溫暖,多情的物件；除了石頭本身自然崩裂或人為雕琢、上彩所呈顯的痕跡外，外加的金屬扣環，更增添「異質結合」的詭異想像。
至於取材自日常身旁常見的硬幣的王皓諄，將這些本身就是薄浮雕的銅幣成品，大小,新舊，散落成堆，形成構圖上的變化；或加入質地完全不同的柔軟花瓣，那是現實與理想的並置，也是心中渴望的再現。
林浩白的「白」，在《美好時光》靜物系列中，讓植物的純靜，成為精神的象徵，潔淨無瑕，生命自在；看似單純,絕不單調，看似空靈,絕非空虛。物我合一、生命靜好。
陳逸峰也是以「白」為取向，白色的布匹，或是整齊疊放、或是打結堆置…..，白布成為獨立的物件，明暗的對比，仍在「白」色的籠罩之中，成為一種純淨無礙的精神境界；完全的物質描繪，卻成為如詩的精神空間。
「虛實之際──台灣寫實繪畫中的抽象思維」特展，以15位台灣當代傑出藝術家的作品，展現高度寫實的畫面中，存藏著藝術家深刻的生命體驗與極易被忽略的抽象思維和表現，是台灣近年來頗具深度的一次學術性展出。
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